Les Séries Télévisées par Florent Favard aux Editions Presses Universitaires Blaise Pascalest disponible à 4,50€
Il y a peu je recevais un message me parlant d’un ouvrage, écrit par Florent Favard, intitulé « Les Séries Télévisées ».
Depuis, j’ai reçu le livre pour pouvoir le lire, cela va de soi, mais aussi vous en parler, cela va…lse de Vienne.
Sous ses atours de format tout petit, tout mignon au touché soyeux, et je parle toujours du livre, « Les Séries Télévisées » aux Edition Presses Universitaires Blaise Pascal dans la collection L’Opportune nous propose d’en revenir aux bases de notre art préféré afin de mieux comprendre son monde en expansion.
Lors de ses 64 pages, « Les Séries Télévisées » revient sur les origines, les évolutions / transformations, mais aussi comment elles sont créées et le tout de façon mondial et non US-centrique.
L’ouvrage à la bonne idée d’ajouter des définitions liées au vocabulaire si spécifique afin ne léser personne. Car oui, que vous soyez novices ou vétéran vous y apprendrez des choses, moins qu’un débutant certes, mais quand même et surtout de façon fluide et intéressante.
Le livre ira même par moment, malgré son mini-format, ouvrir les portes d’une réflexion dépassant le simple guide. Sa bibliographie fourmille de pistes de lectures et visionnages afin d’assouvir un peu plus votre soif de savoir sériphilienne.
Une démarche intéressante, documentée et simple d’accès que je ne peux que vous conseiller.
Les Séries Télévisées par Florent Favard aux Editions Presses Universitaires Blaise Pascalest disponible à 4,50€
Florent Favard
Un peu plus sur l’auteur : Florent Favard est un doctorant à l’Université Bordeaux-Montaigne dont la spécialité est l’étude des séries télévisées et de la science-fiction.
Si comme moi tu es un gamin (sans genre imposé) des 80’s, il y a de grande chance que vous vous souveniez, même un peu de ce qu’est Karate Kid. Tu as imité le coup de pied de la grue, tu as tenté d’attraper les mouches au vol, tu as voulu Maître Miyagi comme senseï et tu as même des frissons quand tu entends “You’re The Best Around”.
Bref, quand tu sais qu’une suite qui oublie tout ce qu’a pu faire Will Smith à la licence (il est producteur exécutif sur la série) et veut nous montrer ce que sont devenus Daniel LaRusso (Ralph Macchio) et Johnny Lawrence (William Zabka) 34 ans plus tard, t’y vas en espérant que ce ne soit pas trop gênant et cheesy.
Pour ceux qui n’auraient jamais vu le film de 1984 (et ses deux suites), Karate Kid nous racontait l’histoire de Johnny, fraîchement débarqué (contre sa volonté) en Californie de son New Jersey natal. Alors qu’il est plus que difficile pour lui de s’intégrer à la jeunesse locale, surtout avec un caïd comme Johnny Lawrence qui ne le portait pas (et ne le porte toujours pas) dans son coeur. Il vaincra l’adversité grâce à Mr Miyagi, le concierge de son immeuble et au Karaté.
Cobra Kai nous transporte jusqu’à aujourd’hui, en 2018, toujours en Californie. Danie Larusso a tout réussi, il est le patron de concessions automobiles qui ne manquent pas de client, une belle maison, une “belle” famille. Bref le rêve américain plein de clichés. Johnny Lawrence quant à lui c’est tout l’inverse, c’est un homme à tout faire alcoolique, presque SDF, bloqué dans les années 80, à la vie de famille ultra compliquée. Comme quoi, être arrivé deuxième d’un simple tournoi de Karaté peut avoir des conséquences dévastatrices sur la vie de quelqu’un.
Ces deux anciens ennemis, n’auront d’autre choix que de se recroiser et se confronter (je ne vous spoile pas le pourquoi). Ce qui réveillera en Lawrence un tas de vieilles rancoeurs et l’amènera à ouvrir un nouveau dojo Cobra Kai afin de redorer le blason de cette ancienne gloire et d’un motto qui ne fait pas dans la dentelle “Strike First, Strike Hard, No Mercy” (Frapper premier, frapper fort, pas de pitié).
Son premier élève sera Miguel (Xolo Maridueña), son nouveau voisin tout fraîchement débarqué (ça vous rappelle quelque chose) dans l’immeuble où Johnny est aussi concierge. Jeune homme qui, soyons franc, n’est autre que l’effet miroir de Daniel Larusso dans le premier film Karate Kid.
Je vous résume ça en omettant volontairement d’entrer dans trop de détails pour que vous ayez une idée globale de ce qu’est Cobra Kai.
Du confort de la prévisibilité.
Sur bien des points, pour ne pas dire tous les points, Cobra Kai est une série prévisible, d’autant plus qu’elle a une certaine tendance à prendre des raccourcis pour arriver à ses fins, sa fin, qui est le très attendu tournoi final (oui comme dans le film). Cette tendance est, à mon avis, due à son format qui nous propose 10 épisodes de 30 minutes.
Est-ce que pour autant j’ai boudé mon plaisir sur ces deux premiers épisodes (disponibles gratuitement et officiellement sur Youtube), non loin de là. J’ai trouvé ça plaisant, simple à appréhender et confortable. Oui voilà, j’étais dans mes chaussons et c’était douillet.
Cobra Kai n’est pas là pour être ce qu’il n’a pas lieu d’être. C’est Karate Kid en série, point final. On a droit à du triangle amoureux entre le gentil jeune gars, le caïd populaire et la fille qui ne l’était pas avant, mais qui l’est devenue et tente contre sa nature de le rester et ce même s’il s’agit de fréquenter les “mauvaises” personnes.
Bien entendu, cette demoiselle n’est autre que Sam (Mary Mouser), la fille de Daniel Larusso.
De l’autre côté on aura Johnny qui reste coincé dans le passé, n’est pas du tout adéquat avec l’époque actuelle dans sa façon d’agir, d’entraîner, de parler (Il va même jusqu’à être étonné d’entendre un smartphone sonner) et qui, peut importe ce qu’il entreprend et réussit presque, finira toujours par être contre-balancé par cet égo qui même après 30 ans n’a jamais pu se soigner.
Je pourrai comprendre que l’on crache dessus à cause d’une narration d’un autre temps, des éléments que l’on voit venir à 1000km et cette utilisation fréquente d’extrait du film en clin d’oeil nous rappelant bien qu’il s’agit ici d’une suite (là pour faire revivre l’esprit de la saga).
A côté de ça, j’ai trouvé très intéressant de se pencher surtout sur Johnny qui se bat constamment contre ses vieux démons et nous donne un personnage loin d’être aussi binaire qu’on pourrait le penser au premier abord. Sous ses atours de réac’, politiquement incorrect, on a un homme déchiré qui n’arrive pas à se canaliser et balance constamment entre le connard et le mec sympa. On aurait presque plus de sympathie pour lui que pour Daniel Larusso pour qui tout est un peu trop parfait, trop simple.
Le duo d’origine n’arrive pas à ne pas vivre avec l’ombre de leur passé commun, tout est prétexte à revenir sur cette période et pourtant force est de constater que les rôles sont ici inversés.
Daniel est clairement devenu le m’astuvu et Johnny l’underdog. Et c’est là, selon moi, où est le véritable intérêt de Cobra Kai.
Je ne peux que regretter de ne pas retrouver la vibe du senseï et son apprenti qu’il y avait entre Larusso et Miyagi. Les deux protagonistes principaux tentent à leur manière de transmettre leur savoir à leurs protégés, mais ce n’est pas vraiment la même chose et ce malgré les tentatives de la production.
De plus, j’ai l’impression, qu’en plus de ne pas avoir voulu trouver de remplaçant à l’image de Miyagi, la série tente tout ce qu’elle peut pour ne pas coller au stéréotype des arts-martiaux et de la population asiatique. Le résultat est à la limite du white-splaining et ce n’est pas franchement mieux.
La technique d’éviter une problématique par une autre n’est pas forcément toujours des plus efficiente. C’est le même souci pour ce qui est du sexisme, la série se trouve constamment le cul entre deux chaises, entre les vieux de la vieille qui font des remarques inappropriées et les jeunes qui vont à la fois en faire eux aussi et parfois faire la morale.
Conclusion
Cobra Kai à des défauts qui pourraient être rédhibitoires pour certains et je le comprends totalement, malgré ça, elle réussi à être divertissante et à presque faire oublier ses aspects parfois limite du problématique.
J’ai particulièrement aimé son traitement des personnages iconiques ainsi que les combats filmés de façon lisibles, efficaces et funs.
De plus, il est intéressant de voir qu’elle apporte un oeil neuf sur deux personnages sur qui on pensait tout savoir et tout connaître. Espérons que si saison 2 il y a, elle réussira à corriger ses défauts presque tous inhérent à l’attachement au final de 1984 et réussir à créer un passage de flambeau générationnel.
Ca ne commençait pas forcément pour le meilleur avec The Great Indoors. Une sitcom sur CBS c’est un peu une arme à double tranchant, rouillée et presque certaine de vous refiler une saloperie.
Mais, car il y a un mais, The Great Indoors n’est pas Man with a Plan et encore moins Kevin Can Wait. On pourrait le penser avec l’utilisation d’une (même deux pour le coup) figure connue en tête d’affiche, mais il n’en est rien.
Le pilote de la comédie de Mike Gibbons semble vouloir proposer un peu plus que ses compères de chaîne.
Rien de révolutionnaire, mais un capital sympathie qui ne m’empêchera pas de regarder la suite et lui donner sa chance.
The Great Indoors c’est l’histoire de Jack Gordon (Joel McHale (Community)), un baroudeur aimant le grand air et l’aventure qui se retrouve à devoir subir la transformation du magazine qui l’a rendu célèbre. La presse papier ne vend plus, il est temps de passer au tout online, ce n’est pas vraiment le retour à la réalité qu’il espérait.
Il est venu le temps pour ce vieux routard de s’occuper d’une équipe de jeunes ayant l’écran dans la peau et ranger les crampons…hm
Autour de McHale on retrouvera Stephen Fry (Bones) en tant que grand patron un peu largué et Christopher Mintz-Plasse (Superbad) comme le grand fan un peu lèche bottes (de randonnées) de Jack.
Comme toute bonne sitcom qui respecterait le cahier des charges, The Great Indoors nous propose dès les premières minutes des personnages bien typés, bien rangés dans leurs rôles. Identifiables donc aisément attachants ou détestables. Une belle brochette qui s’accepte sans rechigner et ce jusque dans les personnages que l’on ne voit pas… oui TGI a un comédien qui joue un rôle tout en étant caché dans une tente.
En plus d’être une Workplace Comedy, la sitcom nous offre le coup classique du poisson hors du bocal et ce que ça peut apporter comme ressorts comiques.
Car oui, The Great Indoors, n’en déplaise aux allergiques de la sitcom, sait être drôle et pourrait bien nous proposer un peu plus qu’une simple mise en situation (enfin j’en ai l’espoir, on est tout de même sur CBS). On sent dès ce pilote une lecture légèrement critique de ce que la technologie et les réseaux sociaux peuvent avoir comme effets sur la vie de tous les jours, sur ce sentiment d’être dépassés par les évènements et l’absurdité des situations que cela peut créer.
Si je m’enthousiasme autant sur cette comédie, je garde en tête la possibilité de la déception au bout de 5 épisodes (ou moins) tout en restant rêveur et plein d’espoirs sur une sitcom qui pourrait se démarquer juste ce qu’il faut pour s’éloigner des deux autres tristes nouveautés du genre sur CBS.
Cela fait maintenant un moment que Frapuccino est dans ma to-do list de critique à faire. Mais la procrastination, la rentrée des séries et tutti quanti font que je me retrouve aujourd’hui seulement à vous proposer mon avis sur cette web série créée par le collectif Attention Fragile et sponsorisé par Ouï FM.
Un mal pour un bien, l’épisode 9 est tombé hier et fait partie de ce que je pense de ce Road Trip qui aurait pu être sponsorisé par Hansaplast et Mercurochrome.
C’est l’histoire d’un rital, d’un frappeur compulsif et son pendant féminin…
Frapuccino c’est l’histoire de deux personnes que seul une livraison spéciale rapproche. D’un côté Paolo, un Italien dragueur, de l’autre Cyril, un frappeur compulsif qui est obligé de frapper n’importe qui 3 fois par jour pour son hygiène personnelle.
Sur la route, pour ce contrat dont on ne sait rien, si ce n’est qu’ils ont une malle à transporter à la cathédrale de Fleury, nos deux comparses vont faire la rencontre d’Amélie, une bourgeoise qui casse des nez pour soigner son cœur brisé.
S’en suit un Road Trip déjanté mené par un trio qui ne l’est pas moins. Au casting on retrouve Pierre-Emmanuel Parlato (Paolo), Jules Poucet (Cyril), Mathilde Bourbin (Amélie) et une Twingo.
Au bout des 9 épisodes disponible actuellement je dois bien avouer que je me suis attaché à ces trois personnages un peu hors du commun.
Si le premier épisode groupé (qui en réalité sont les épisodes 1 et 2) et le teaser m’avaient plu sans réellement me convaincre, la suite n’a fait que faire grimper crescendo mon intérêt pour cette histoire.
Sur la forme, Frapuccino est bien réalisée avec un mixage audio et un montage qui fait plaisir. Rien d’exceptionnel cela dit, mais l’image sert comme il faut l’histoire que l’on veut nous raconter.
Histoire qui pour le moment semble simple et relativement peu originale (hormis nos deux frappeurs congénitaux), cache une sous intrigue qui prend son temps pour s’installer et garde assez de mystère pour entretenir l’intérêt et l’envie de voir la suite.
A cela on ajoute une bonne dose d’humour et le trio attachant et on s’offre une websérie qui se déguste sans déplaisir.
Du côté des acteurs, l’évolution de leur jeu se voit clairement au fil des épisodes. Si dans le pilote c’est pour le moins inégal, la suite s’avère être bien plus travaillé et cohérent. Chapeau bas à Mathilde Bourbin qui gère à merveille sa part de violence et nous offre une Amélie adoflippante (mélange de adorable et flippante).
Vous l’aurez compris, Frapuccino est une web série que je peux conseiller pour sa globalité. Elle sait rester simple tout en faisant un travail propre et intéressant. De plus, son format relativement court l’aide vraiment dans sa mission.
J’attends de voir où peux nous mener cette histoire et espère un dénouement plus éclatant pour la faire sortir du lot complètement.
Westworld est partout. Dans ton flux d’actualités, sur tes réseaux sociaux, dans les aréoports et au rayon boucherie.
Bref, pour HBO, Westworld c’est le nouveau cheval sur lequel toutes les attentes reposent. Celui qui permettra à la chaîne américaine de continuer à amasser des diligences de billets pendant quelques années.
Pour ma part c’est un projet que j’ai suivi de plus ou moins prêt. Intrigant de par son pitch, sa production et son casting, mais à qui je ne prêtais pas forcément l’image d’un nouveau messie. Et vous savez ce qu’on dit, il ne faut pas prendre des messies pour des lanternes.
J’ai vu maintenant le pilote de la série créée par Jonathan Nolan (Person of Interest) et Lisa Joy (Burn Notice); produite par J.J. Abrams; je peux donc vous dire tout le bien que je pense de celle que beaucoup surnomment déjà la nouvelle “Game of Thrones”.
Je ne m’étenderai pas plus sur cette appellation qui, si elle peut rester juste sur bon nombre de points, me hérisse le poil.
Westworld, mega teuf, excellent!
Westworld est une série qui va chercher son origine dans le film du même nom (Mondwest chez nous) de 1973, créé par Micheal Crichton.
Tout comme ce dernier, la série de Nolan et Joy nous propose de partir dans un parc d’attraction futuriste, animé par des androïdes et vous transportant dans un “Far West” ahurissant de réalisme.
Ce parc, est avant tout réservé aux personnes ayant les (gros) moyens de se payer une expérience leur permettant de vivre leurs fantasmes, sans aucune conséquence dans le monde extérieur/réel. Il faut bien entendu comprendre, qu’ici, le visiteur recherche le western dans toute sa violence, son sexe et son côté sauvage.
Les androïdes qui subissent tout cela depuis des années vont, grâce (entre autres) à une mise à jour, commencer à prendre conscience de ce qu’on leur fait subir, de leur vie, de leur condition.
Le nouveau Western
Après 3 ans de gestations un peu chaotique, Westworld met sa claque dès le début avec son générique d’ouverture magnifiquement dérangeant, beau et accompagné d’une des plus belles compositions de Ramin Djawadi. On est dans l’ambiance, on sent que l’on ne va pas vers quoi que ce soit de commun. On est happé.
On pourrait croire sous ses atours de Western que ça ne va pas chercher plus loin qu’une belle histoire de Cowboy, de conquêtes et d’autres conquêtes. Mais non, pour Westworld ce décors n’est réellement qu’un terrain de jeu, une base pour un tableau qui promet bien plus de profondeur, bien plus de questionnement sur notre rapport à la réalité, à la notion de libre arbitre, nos limites, nos libertés et notre rôle ici bas.
Tout ceci va être instauré par la mise à jour dont je parlais quelques lignes en arrière. Celle-ci, répondant au doux nom de “Rêverie”, apportent la part d’humain et tout ce qu’elle comporte comme “défaut”. Que se passe-t-il quand une machine se met à penser, rêver, se rappeller de choses dont elle ne devrait pas et même lorsqu’elle se met à tout remettre en question.
En notre époque où l’on se dirige de plus en plus vers cette évolution de la robotique, le thème déjà abordé en 1973 est ici davantage d’actualité.
Mais il n’y a pas que l’androïde dans la vie, il y a aussi les humains qui se cachent derrière tout ça. Ces gens qui ont droit de vie ou de mort sur ces machines pour quelques petits défauts qu’ils ont tout autant si pas plus. L’équipe derrière ce parc, est composée de personnages directement bien marqués, aux passés multiples et complexes, apportant une part de mystère en plus à tout ce que peut traiter la série.
Toute cette mythologie, cet univers qui nous est offert ne serait rien sans de bons comédiens bien dirigés. De nouveau, Westworld fait un travail remarquable. Les acteurs jouant des rôles d’androïde sont crédibles, robotiques quand il le faut et comme il le faut et surtout capable de faire passer des émotions que l’on n’attend pas forcément de leur part. On y retrouve Evan Rachel Wood, Thandie Newton, James Marsden et j’en passe.
Il en va de même pour le crew de Westworld qui nous offre des personnages aussi complémentaires qu’opposables joués par Sidse Babett Knudse, Jeffrey Wright, Anthony Hopkins, Shannon Woodward ou encore Simon Quarterman).
Par contre, je ne saurais pour le moment où placer le personnage solitaire et violent joué par Ed Harris. Sachez juste qu’il est parfait dans le registre de l’effroi et le glacial.
Tout ce beau monde évolue dans une réalisation et une photographie proprement époustouflante. Aucune lumière, couleur n’est laissée au hasard. Ca ne réinvente pas les codes de la TV mais ça sait les utiliser pour servir son grand projet.
Comme je le disais en début d’articles la musique est d’un très grand niveau de composition et surtout apportant son lot de bonnes surprises. Je pense notamment aux reprises de tubes plus contemporain remaniés pour coller à l’univers Western. Vous pourrez, par exemple, apprécier en fond du saloon une reprise de Black Hole Sun de Soundgarden. Ou, lors d’une scène de fusillade à couper le souffle, apprécier l’habillage sonore d’une version toute particulière de Paint it black des Rolling Stones.
Je ne crache bien entendu pas sur le petit Johnny Cash qui fait plaisir en fin
Westworld of illusions
Que vous dire de plus après tout cela? Westworld réussit un tel tour de force avec son pilote qu’il est désormais attendu au tournant par le plus grand nombre. La nouvelle série d’HBO est à la fois poétique, violente, passionnante, mystérieuse et ne trébuche sur aucun de thèmes qu’elle amorce. Une réussite tant sur le fond que la forme qu’il serait dommage de bouder juste parce qu’on vous a dit que c’était le prochain Game of Thrones, qu’il n’en est rien et tant mieux.
Ca y est! Moi qui priait il y a près d’un an sur twitter pour que cela arrive, j’ai enfin droit à une nouvelle série avec du Baseball à l’intérieur! Et plus fort encore, Pitch réussi son coup de batte avec son pilote.
Promis j’arrête d’utiliser des termes de Baseball jusqu’à la fin de l’article.
Pitch le pilote qui te met dans sa potche (Finalement j’aurai du continuer le lexique sportif).
Pitch c’est l’histoire de Ginny Baker la première femme à entrer en Major League et dans l’histoire. Elle va être confrontée à la sur-exposition médiatique et à la réalité du terrain qui n’a jamais eu à gérer tel chamboulement dans un milieu résolument masculin.
Je ne cesserai de le marteler, mais ce qui fait avant tout une bonne série c’est l’écriture de ses personnages et leurs incarnations. Force est de constater que Pitch réussit déjà très bien sur ce tableau, alors qu’elle aurait bien pu se prendre les pieds dans le tapis et nous jouer à 1000% la carte des clichés auxquels on peut s’attendre.
Rien de tout ça et ce même quand elle va justement les chercher, elle fini par les démonter et les utiliser pour se renforcer.
Si je découvre avec grand plaisir quelques acteurs et notamment Kylie Bunbury dans le rôle principal, je suis aussi heureux de retrouver Mark-Paul Gosselaar dans le rôle de Mike Lawson, le capitaine de l’équipe où débarque Giny et qui n’a pas l’intention de faire de différences de traitement parce qu’elle est une femme. C’est un personnage qui lui va à ravir, plein d’ambiguïté, une sorte de figure paternelle (pour ne pas dire paternaliste) qui est appelé, cela se sent, à évoluer. Un peu comme si lui et toute son équipe était un reflet d’une société qui a bien besoin de changer et a tout à gagner à passer à l’étape suivante.
Heureusement dans l’équipe il y a Blip (Mo McRae), son ami d’enfance, quelqu’un sur qui elle peut compter pendant cette période d’intégration qui ne sera pas simple.
En dehors, il y a aussi Amelia Slater (Ali Larter), son agent, qui ne connaît absolument rien au Baseball, mais qui fera tout pour accompagner sa nouvelle star aidée d‘Eliot (Tim Jo) le spécialiste des réseaux sociaux. Un duo fonctionnant dès le départ, comme le reste du casting.
Bon, je ne suis pas là pour faire un listing complet des personnages, sachez que le père de Giny (Michael Beach) à une importance toute particulière, mais je tiens à vous éviter tout spoil et le mieux est encore de les découvrir en action.
En parlant d’action, la mise en scène n’est pas en reste et nous propose un savant mélange de moments de vie, mais aussi de compétition qui ont le mérite d’avoir une photographie différente pour donner l’impression de regarder un match à la tv. Tout s’enchaîne sans accrocs et bénéficie d’un sens du rythme qui fait plaisir à voir et à vivre.
Ce pilote de Pitch s’offre même le luxe de se terminer sur un twist et une décision qui pourrait changer la donne que l’on ne sentaient pas vraiment venir.
Moi qui attendait fébrilement une série dans ce le milieu de la MLB je ne suis pas déçu car, avec Pitch j’en aurai autant pour mon côté fan de ce sport et le côté qui a envie de suivre une histoire prenante avec des personnages attachants. La mise en place n’est pas forcément des plus originales, mais elle est tellement bien exécutée qu’on lui concède. Surtout quand, à l’intérieur de certaines scènes, les personnages font clairement un clin d’œil au sentiment de « déjà vu ».
Maintenant je veux le même mais dans la NHL. Bah quoi on peut toujours rêvé, ça a déjà fonctionné.
Stoppez tout! Y a Kristen Bell et Ted Danson réunit dans une comédie. Je dois absolument vous en parler, et je pense que mon blog est « The Good Place » pour ça. Comment ça je force sur mon intro?
Le paradis sans Vanessa
Ok c’était pour moi une façon d’intégrer le titre de cette nouvelle comédie sur NBC, mais je suis tout à fait sincère quand je vous dis que j’étais impatient et excité à l’idée de retrouver deux acteurs que j’adore dans un genre que j’affectionne tout particulièrement.
The Good Place c’est l’histoire d’Eleanor (Kristen Bell) qui meurt et se retrouve dans ce qu’on aurait tendance à appeler le paradis. Paradis qui est ici renommé en Good Place et l’enfer au Delaware… euh non Bad Place.
Le district où est arrivée Eleanor est dirigé par Michael (Ted Danson) qui, en plus d’être architecte au paradis, est là pour guider tous les nouveaux arrivants dans un monde merveilleux où tout est fait et pensé pour vous et votre âme.
En parlant d’âme, chaque personne dans « The Good Place » a automatiquement son âme soeur, pour Eleanor il s’agit de Chidi (William Jackson Harper) un prof d’éthique.
Le hic, c’est qu’Eleanor n’est pas vraiment à sa place et ça risque de causer quelques problèmes dans cet endroit idyllique.
Le bon endroit pour mourir… de rire
Je ne vais pas vous en raconter plus que ce pitch à rallonge que je vous ai fait subir jusque là ce serait vous gâcher la pépite qui se trouve dans cette comédie créée par Michael Schur (Brooklyn 99, Parks and Recreation).
Ce double chapitre proposé en tant qu’entrée en matière de la série nous donne presque instantanément le ton.
Car sous ses airs d’endroit un peu trop parfait, on sent que derrière tout cela se cache une bonne dose de cynisme et d’imperfections que l’on aimerait glisser sous un paillasson. Une sensation qui n’est pas sans rappeler Pleasant Ville ou The Truman Show.
Il faut tout de même savoir que le choix qui vous permet de venir mourir dans le bon ou mauvais endroit est totalement manichéen. Que vos actions se comptent en points et que si l’on regarde bien l’explication que nous donne les premiers instants de la série, c’est totalement arbitraire. Il vous faudra mettre pause à ce moment là pour desceller les messages cachés et une bonne dose de sarcasme.
Qu’est-ce que le bien et le mal finalement, si ce n’est une notion qui peut être totalement biaisée par la subjectivité et faire passer une personne admirable pour un monstre sans cœur car, il n’était pas vegan ou n’a pas eu la chance d’être un médecin capable de sauver plus de vies que vous.
The Good Place prouve qu’elle a en elle la capacité d’être une comédie intelligente, capable de faire rire sur plusieurs niveaux de lecture. Elle n’est pas juste drôle grâce à ses situations et ses acteurs au travail merveilleux. Elle fait aussi rire dans ses silences, ses réflexions.
La série réussi en peu de temps à mettre en place un univers, ses codes (les mots vulgaires transformés en version édulcorées, …), son rythme.
NBC a une série au potentiel énorme, au fort capital sympathie qui pourrait contribuer à faire regagner ses lettres de noblesses à un genre longtemps disparu sur la chaîne et qui tente depuis 2 saisons de s’affirmer sans se plagier (n’est-ce pas CBS…). Et moi, de mon côté, je confirme tout mon amour que je porte pour Kristen Bell et Ted Danson.
Dernièrement, la télévision a discrètement fait de son mieux pour parler de l’handicap, une tendance qui prend une étape importante avec THE A WORD.
Cette belle série britannique en six parties, triste mais aussi parfois drôlement drôle, parle d’une famille prenant lentement conscience que son plus jeune membre, âgé de cinq et prénommé Joe (Max Vento), est autiste. Écrit par Peter Bowker et basé sur une série israélienne, le spectacle est comme une expérience scientifique. Il prend des éléments des intrigues récurrentes des drames habituel une affaire familiale, un patriarche qui veut tout contrôler, les luttes économiques et au milieu d’eux un enfant autiste et observe ainsi les conséquences sur la famille, qui sont considérables.
Au centre, de ce drame il y a Joe, et ses parents, Paul (Lee Ingleby ) et Alison (Morven Christie). La série débute avec la cinquième fête d’anniversaire de Joe, dans une scène magnifiquement écrite, qui va droit au cœur de la confusion et le déni que les parents ressentent quand ils commencent à soupçonner que leur enfant est différent. Les invités à la fête jouent, mais Joe est éteint dans son propre monde, il ne prête aucune attention. Ce qu’Alison fait pour essayer de faire en sorte qu’il ne soit pas le premier enfant marqué sur son propre anniversaire est tout à fait humain, et pénible à voir.
Le Déni domine les deux premiers épisodes, même après que le couple a reçu un diagnostic précis. Leur première rencontre avec un spécialiste est un exemple classique de refus des parents de reconnaître l’évidence.
« Il est charmant, il est drôle et c’est un génie musical», dit Alison au médecin quand elle décrit Joe, qui passe beaucoup de son temps à porter un casque d’écoute. « Il connaît des chansons par cœur. Il est plus intelligent que les enfants de son âge, de sorte qu’ils ne l’intéressent pas beaucoup. »
L’effet du diagnostic sur Paul, Alison et dans la famille qui les entourent sera douloureusement familier pour quiconque a connu un désarroi similaire. Les tensions surgissent partout sur la façon de gérer Joe. Alison porte atteinte à la vie de chacun en essayant de lui faire son éducation a la maison, craignant qu’il soit étiqueté et ostracisé s’il reste à l’école.
C’est une famille qui a déjà beaucoup de problèmes. Le grand-père, Maurice (Christopher Eccleston), propriétaire de la brasserie familiale, un peu bourru qui a tendance a tapé sur les nerfs de ses enfants. L’oncle, Eddie (Greg McHugh), et la tante de Joe, Nicola (Vinette Robinson), se battent pour leur mariage suite à une aventure qu’elle a eu. La sœur aînée de Joe, Rebecca (Molly Wright), se pose des questions sur le sexe. Il y a également la fragilité économique que la famille traverse pour ouvrir une nouvelle brasserie artisanale.
Chaque épisode débute avec Joe, se promenant seul dans les environs en train de fredonner des chansons dont il connaît les paroles par cœur, en plus de connaître son ou ses interprètes et leurs dates de création. Pour lui, la musique est à la fois un exutoire et une thérapie. Exutoire parce que dès que les choses vont mal, il enfile ses écouteurs, brisant par là toute communication et n’ayant plus à essayer de comprendre ce que l’on attend de lui. Le fait qu’il chante à tue-tête « World Shut Your Mouth » de Julian Cope lorsque ça va au plus mal chez les Hughes, ou plus tard « Another Planet » nous traduit assez clairement son état d’esprit. À l’opposé, c’est par la musique que s’effectue une certaine forme de communication entre lui et ses proches, notamment lorsqu’on entend « Don’t You Want Me » de The Human League ou encore « Where Were You » des Mekons. Ces choix musicaux guident aussi le téléspectateur sur l’ambiance qui règne au sein du clan, tout en nous laissant entrer, autant que possible, dans le monde de ce petit gamin de cinq ans…
Le premier épisode de The A Word a attiré 4,7 millions de téléspectateurs en direct et 5,9 en incluant les enregistrements, ce qui ne représente pas moins de 23% des parts de marchés. Mais au-delà de ces chiffres, c’est la réaction du public qui est la plus touchante. Sa diffusion a entraîné moult reportages et témoignages personnels et tous s’accordent sur le fait que BBC a su dépeindre avec brio la situation pour le moins éprouvante que vivent plusieurs familles, tout en démystifiant ce trouble.
